Pose-to-Pose Animation: En trinnvis guide for nybegynnere

Før digital animasjon måtte animatører tegne hvert trekk fra bunnen av. De utviklet en metode som heter pose-to-pose-animasjon, en systematisk tilnærming som hjalp dem med å levere mange av de mest kjente animerte produksjonene gjennom tidene.

Her er en oversikt over hva pose-til-pose-animasjon er, og hvordan du kan prøve teknikken selv.

Hva er Pose-to-Pose Animation?

Når du animerer pose-til-pose, er mesteparten av animatørens tid og krefter viet til å tegne "nøkkelen" -taktene i en scene-en forvirret karakter som får øyekontakt med kameraet, eller kong Arthur holder Excalibur høyt over seg når han frigjør det fra stein.

Med disse viktige bildene allerede tatt vare på, begynner scenen å samles og ta form. I en studiosammenheng blir animatører på juniornivå deretter bedt om å fylle ut hullene med mellomrom og bære publikum gjennom hvert slag. Under andre omstendigheter går den originale animatoren ganske enkelt tilbake i seg selv. Uansett er en komplett animasjon resultatet.

Hvorfor animere Pose-to-Pose?

Pose-to-pose setter scenen for flott animasjon av flere grunner-den nevnte faktoren for planlegging er et stort salgsargument. En annen er tildeling av kreativ energi. Hva er forskjellen mellom å bruke en time på en tegning og å bruke fire timer på 200 tegninger?

I sistnevnte tilfelle vil de første tegningene trolig være omtrent like gode som de som ble tegnet i den tidligere saken. Etter et par timer vil imidlertid mange av oss naturlig miste lyst.

For de mest dramatiske og spennende øyeblikkene i en animasjon, er det fornuftig å konsentrere innsatsen din, delegere det mer mekaniske arbeidet med å være i mellom til andre eller til oss selv på et senere tidspunkt.

Anatomi av en pose-til-pose-sekvens

Det er noen få ingredienser som de fleste eksempler på pose-til-pose-animasjon vil inneholde. La oss gå over hver av dem.

Nøkkelposisjonene

Disse "miniatyrbildene" vil vanligvis være øyeblikkene som formidler mest mening og følelser. En plutselig erkjennelse, toppen av et sint utbrudd, eller den andre som en karakter lander etter å ha falt av en klippe, kvalifiserer alle.

In-Betweens

Hvis armen er opp i den første posen og ned i den andre, må du fylle mellomrommet med minst en ramme der armen er et sted i midten. Jo flere rammer som befolker dette rommet mellom, jo ​​jevnere vil animasjonen ende opp med å se ut.

Sammenbruddene

Daisy-chaining hver keyframe straight-up kan fungere hvis du animerer noe veldig enkelt. Etter noen få sekvenser uavbrutt av noen form for sekundær handling eller pause, vil du imidlertid føle en følelse av "rastløshet". Sammenbrudd gir publikum den resten de trenger når de fordøyer animasjonen din.

De fungerer som "nøkkelbilder" mellom nøkkelbilder. Før et tegn reagerer på noe, kan de gyse, sprette eller blinke. Disse små handlingene forbedrer ytelsen, og gjør dem mindre kjedelige.

I slekt: De beste tegne- og malerappene for Android

Slik trener du Pose-to-Pose-animasjon

De tre viktigste prioritetene som animator: timing, mellomrom og konsistens. Pose-to-pose animasjon er den perfekte teknikken for en nybegynner som ønsker å styrke sine ferdigheter på alle tre områdene.

Når du først starter, er det ingenting som å lære av mestrene. Googling navnet på din favoritt tegneseriefigur etterfulgt av uttrykket "modellark" sannsynligvis trekke opp en skattekiste med teknisk instruksjon om hvordan du konstruerer karakteren profesjonelt.

Hvis den ikke gjør det, anbefaler vi et klassisk Mickey Mouse -modellark. Når du har funnet en du liker, kan du fyre opp din valgfritt animasjonsprogram.

1. Velg to viktige stillinger

Etter at du har valgt poser, tegner du dem ut på to forskjellige rammer. Legg så mye krefter på disse nøkkeltegningene som mulig. Kvalitet på dette stadiet er avgjørende.

Her kan du se at vi har holdt ting veldig enkelt. Når vi blar gjennom dem frem og tilbake, blir det klart at to rammer ikke er nok til å fortelle denne lille historien. For å lage en loopbar animasjon, skal vi kopiere den første nøkkelrammen og sette en annen forekomst etter vår andre nøkkelrampose. Videre til neste fase.

2. Legg til en sammenbrudd (eller flere)

Forstyrr denne enkle progresjonen med noe midt i de to første posene.

Nå rekker Mickey før han hakker. Knærne bøyes og skuldrene er trukket opp rundt halsen. Når du spiller dette, føles sekvensen mye bedre enn bare de to nøkkelbildene alene, men det er fortsatt en følelse av noe... som mangler. I slike tilfeller vil en annen sammenbrudd noen ganger være en passende løsning.

La oss flytte denne første sammenbruddet tilbake til et hår. I stedet for å hoppe rett til den andre nøkkelbildestillingen, kan vi få ham til å sprette opp litt før han lander i ansiktspalmen. Vi kan også skyve den andre nøkkelposen og den siste rammen tilbake for mer pusterom.

Gå nå gjennom din egen korte sekvens. Hvis handlingen føles solid, er det bare å fylle ut mellomrommene mellom det du allerede har.

3. Tegn noen i-Betweens

Vi anbefaler å tegne din første mellomting i nøyaktig midten av gapet som skiller de to første nøkkelbildene på tidslinjen din, inkludert sammenbrudd.

Når du har noe som forbinder dem, kan du se det et par ganger og fortsette å fylle ut emnene til alt begynner å samles. Denne delen vil være selvforklarende, spesielt hvis du har løkskinnsoverlegg aktivert i hvilket animasjonsprogram du bruker. Alt du trenger å gjøre er å trekke hver kroppsdel ​​mellom analogene som går foran og følger.

Disse løsere, mer skisserte tegningene kalles "grovheter", og med rette. De skal ikke betraktes som endelige, spesielt under denne innledende utforskingsprosessen. Hensikten er å kartlegge sekvensen rundt hver nøkkelrampose. Du vil til slutt gå tilbake over disse grovhetene, legge til sekundær handling og rydde dem opp på et tidspunkt.

Fokuser mindre på perfeksjon på dette stadiet og mer på det grunnleggende-godt gjengitt handling i store drag og skuespill som føles autentisk.

4. Evaluer og finpuss

Etter å ha tatt ditt første pass, ta en titt på hva du har. Hvis noen deler føles for raske, kan du fortsette å skyve rammer fremover, noe som gir plass til flere mellom dem. Det samme gjelder seksjoner som trekker ut. Trekk gjerne noen deler inn igjen, til og med slette in-betweens om nødvendig.

En ting verdt å nevne: du vil legge merke til at ikke alle rammer er unike på dette tidspunktet. Vi har noen få "hold" rammer; død luft som forhindrer sekvensen i å piske for raskt. Disse kan eventuelt tegnes på nytt mens du fortsetter. Alt avhenger av stilen du går etter.

I teorien er det virkelig ingen målgang. I dette eksemplet kan vi absolutt gå lenger - for eksempel å gi ham noen øyne eller legge knappene til buksene. Noe viktig å huske er at flott animasjon aldri blir gjort samtidig. Du kan ikke tilføre detaljer til noe amorft og uklart; et solid grunnlag må alltid etableres først.

I slekt: Nybegynnerguiden til Adobe Character Animator

Beherske animasjonskunsten

Litt logikk og kreativ tenkning vil gjøre selv svært utfordrende scener mye mer håndterbare. Det er få scenarier der pose-til-pose-animasjon i det minste ikke vil belyse veien for deg.

Etter hvert vil du sannsynligvis føle deg trygg nok til å designe din egen progresjon av positurer. Start med de to første som du kan se klart for deg, og fortsett akkurat som beskrevet her. Med disse prinsippene i tankene vil ingenting kunne stoppe deg.

Hva er Disneys 12 prinsipper for animasjon?

Disneys 12 animasjonsprinsipper blåser liv i tegneserier. Lær hva de er, og hvordan de kan forbedre animasjonene dine.

Les neste

Om forfatteren